摄影与平面设计的关系
在日常生活中，很多具象的形和画面在构成时都很抽象，摄影与平面设计都有着对于形的非凡创造力，如形的塑造、形的平面展示以及形的再创造等。摄影师是将大自然中形态各异的形转换到二维空间，通过光与影塑造形的个性化，带给观者美的享受；平面设计师则是将形的不同形态加以组合设计，通过形的对比、扭曲或韵律表达设计理念，创新形的再创造手法，最终达到美的效果。
两者都是属于视觉的传播艺术
摄影和平面设计都是艺术家从自己的世界观出发感知世界、表露内心情感的视觉艺术，意在唤起观者的情绪呼应与理解共鸣，它们不需要有声语言的翻译，在当今时代凭借形的再创造就能得到观者的呼应。这两者随着科技的发展而不断攀升至新的平台，凭借学科交叉的优势获得了相互关联、协作的便利，并与其他视觉载体逐渐结合在一起而形成新的视觉影像。
两者的发展都建立在数字化基础上
在20世纪90年代，随着计算机的普及和网络技术的发展，设计、排版软件的出现为摄影和平面设计带来了新的机遇。不管是摄影师还是平面设计师，都能够以计算机为辅助工具，进行作品的修改、排版、设计等。计算机技术大大减少了他们的工作负荷，并为他们提供新的编辑和处理图像的方法，蕴含很高的技术含量。
摄影与平面设计结合的优势
相比传统手绘而言，摄影图像更真实，时效性更强，在后期处理上也更容易，因此，摄像自出现后，逐渐取代绘画成为平面设计中的重要组成部分。摄影师面对大千世界的三维空间选取素材，并运用自己的创造力将其转化为二维形式的作品。在这个创造过程中，摄影师需要精确地提炼三维素材的精华并将之抽象为具有自身精神特质的创作。
设计师按自己设想的表达需要将作品中的各种视觉传达要素按照艺术表现方式进行摄像组合，这不仅将设计师从传统的手绘中解放出来，还有利于创新创作理念，最大限度地发挥创造力。随着摄影技术的发展，摄影师与设计师职业的性质为摄影与平面设计的融合奠定了坚实的基础。
摄影中的平面视觉融入
在摄影中光线运用不再是单纯的视觉要素，而是考验摄影师能否驾驭它创造出具有审美意义的图像的功力，要求摄影师深入把握灯具的性能及操作方法。摄影作品的效果受光线影响很大，光线的明暗对比能够突出摄影主体的存在，凸显出立体感和空间感，营造出摄影师需要的情感氛围，以打动观众，获取商业利益。通过对光的有效使用，摄影师能够在摄影的视觉空间内营造线与面，将点、线、面有机结合，能够产生独特的审美形式，彰显个性化的设计理念。
在设计构图中，设计主题的形象布局、色彩的使用面积及对比手法是实现设计理念的重要构成。对于观看者而言，视觉形象的各种要素包括留白都是设计师传递设计理念的视觉介质，设计师要组合这些视觉介质并达到简而不单、繁而不乱的艺术效果，就需要处理好视觉形象的数量及内在关系的变化。简，不要失之于简单、空洞；繁，不能流之于繁杂、琐碎，应简洁中含丰富，单纯中有变化。
色彩在摄影中的运用
色彩的表现力很强，在艺术设计中尤其如此。设计师和摄影师对于色彩的把握、使用理念及控制手法是他们的综合素养在艺术形态上的具体表现。野兽派画家马蒂斯在论绘画色彩时，似乎也道出了摄影用色的真谛：“色彩的主要功能就是要尽可能地表现服务……我仅仅是试图摆上能表达我感受的色。”马蒂斯对于色彩的运用并不遵循传统意义上的色彩区分，而是根据自己的实践积累及亲身感受加以选择，是个人意念的物质化。
同一色彩在不同环境中能够带给人们不同的视觉感受。在摄影师看来，色彩的使用至关重要。在处理不同的商品时，对色彩的形式要素和感觉要素都要充分利用，以达到艺术的典型再现。色调的处理也是摄影师的重点关注内容，现在的摄影流行趋势是以高级灰为主调，因此很多新拍摄的电影大片运用了不同色调的灰色。这是因为色调的使用也受当年流行趋势的影响，更多的时候色彩被赋予了明确的含义，如富士胶卷的绿、柯达胶卷的黄、可口可乐的红等早已成为这些商品的特定表达方式。
摄影与平面设计的结合，使得两者在这个多媒体时代所向披靡，得到广泛应用。两者的有机整合，使得摄影与平面设计的技术不断发展，拓展了设计对象的表现空间。平面设计的创作技法推动了摄影技术的革新，数字化摄影的应用又增强了平面设计的感染力，这就促使摄影师与设计师互相学习，加强合作互动。与此同时，摄影与平面设计随着合作的深入，必将激发艺术家更多的创作灵感，创造出更多的艺术表现方式，使其在艺术表现的道路上结伴而行，继续深入探索艺术的奥秘。
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